Proyecto Fortnite (ultima entrega): Plague/Doctor y Peerly /Banana

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Mariela Gómez Erro presenta: Arte para chicos

Proyecto Fortnite: Plague

En las épocas de epidemias en Europa (Italia y Francia) se pudieron ver estos médicos de la peste que llevaban estas máscaras con pico. Las máscaras tenía un agujero de tela o de vidrio y una nariz tipo pico.  En el pico de la máscara se guardaban las esencias o hierbas aromáticas (ámbar gris, hojas de menta, estoraque, mirra, láudano, pétalos de rosa, alcanfor y clavo de olor) para impedir o el olor podrido de la peste que avanzó en Europa en el siglo XIV. Estos médicos llevaban también un traje de tela encerada, guantes y pantalones también encerados y bastones.

Grabado de Paul Fürst, 1656:  Doktor Schnabel von Rom (en alemán, “Doctor Pico de Roma”) con un poema satírico en Latín/Alemán (‘Vos Creditis, als eine Fabel, / quod scribitur vom Doctor Schnabel’).

 

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Banane Album de Andy Warhol (1967)

Esta famosa Banana de Warhol fue el diseño de The Velvet Underground & Nico, álbum debut de la banda de rock experimental The Velvet Underground con la cantante alemán Nico. Fue producido por Andy Warhol y lanzado por Verve Records en marzo de 1967.

Andrew Warhola (19281987), conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense, artista pop . Warhol utilizó medios diferentes para crear sus obras, como el dibujo a mano, la pintura, el grabado, la fotografía, la serigrafía, la escultura, el cine y la música. El Museo Andy Warhol en su ciudad natal, Pittsburgh, Pensilvania, contiene una amplia colección permanente de arte. Resulta ser el museo más grande de Estados Unidos dedicado a un solo artista. (Wikipedia)

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“Mujer comiendo banana“ 1982 de Fernando Botero (Colombia)

Fernando Botero Angulo (Medellín, 1932) es un  pintor, escultor y dibujante colombiano, domiciliado en Pietrasanta (Italia),  ParísMónaco y Nueva York.

El Licenciado Estaban Iborio nos relata que la obra de Botero está llena de humos, que al artista le gusto lo grotesco y también critica la sociedad actual en cada uno de sus cuadros. (Foto y recorte gentileza de -https://historia-arte.com/obras/mujer-comiendo-una-banana

Fernando Botero retrata personajes de la vida real de forma figurativa en forma volumétrica, siendo su sello propio desde hace décadas. Botero es uno de los artistas latinoamericanos más conocidos del mundo, llevando su “boterismo” a muchas manifestaciones artísticas, como la pintura, la escultura, y la cerámica. Cada obra tiene mucho carácter, es exuberante, gorda y siempre dentro de una escena de la vida cotidiana, o haciendo alusión a la mitología griega, a la religión o a la política.

Manjar campesino oleo alexander cruz moreno

“Manjar campesino” Oleo sobre Canvas,  2008 de Alexander Cruz Marrero (Puerto Rico, 1975) desde su niñez esta dedicado al arte. En 1992 fundó la Escuela y galería de Artes Cruz, donde enseña a niños y adultos a acercarse a la pintura. Cruz dedica su tiempo a diferentes motivos dentro de ussu pintura de bodegones, con flores o frutas y la pintura de paisajes. Por su trabajo de pintura de animales fue convocado por la revista Wildlife Art también su arte se pudo ver en las revistas importantes como Art Business News, Arte al día y Arte Latinoamericano. Cruz ha sido premiado y reconocido por la Cámara de Representantes del Capitolio de Puerto Rico, el Club de Leones de Bayamón, entre otros. Durante los años 2012, 2013 y 2014 la empresa alemana Martin/F.Weber invitó al artista a una de las ferias más importantes de la industria del bricolaje Creativeworld en Frankfurt, Alemania.

 

Arte en pocas palabras para chicos: Fortnite & Geisha (Japonesa)

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Fortnite y sus personajes: Geisha (Japonesa)

 

El juego de Fortnite contiene muchos personajes quienes también fueron inspiración de los artistas geniales de la historia. En esta ocación les presentaré la inspiración japonesa en diferentes artistas durante la historia del arte.

En Francia en el siglo XIX se despierta una nueva idea: la importancia de la la razón, la que influye en cada decisión. A fines de este siglo se percibe una gran influencia de un arte oriental: el japonismo. En la exposición universal realizada en Paris en 1867 se pudieron contemplar objetos, estampas y cerámicas del Japón, las que causaron impresión en el público y también en los artistas, quienes buscaban nuevas inspiraciones para sus pinturas.

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También los artistas impresionistas comenzaron a tomar a la naturaleza y a lo cotidiano como tema principal en sus sobras. La facilidad de obtener pinturas de tubos, se pudo salir al aire libre a pintar y poder experimentar con nuevas composiciones y perspectivas.

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Claude Monet “Madame Monet en Kimono” 1875

Este maravilloso artista francés comenzó a experimentar en sus pinturas la mezcla de colores directamente en el lienzo, como así experimentó una nueva libertad en cuanto a la temática de sus obras como su perspectivas. Estas obras son más planas, carentes de lo perfecto, con una belleza que emana del interior.

 

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Vicent Van Gogh “La cortesana, después de Kesai Eisen” (Japonaiserie) 1887 © Van Gogh Museum, Amsterdam (Vincent van Gogh Foundation).

Van Gogh es un pintor postimpresionista, fascinado por los paisajes japoneses. En cada pintura imprime la luz, producida por colocar capa de material sobre otra capa de pintura en el lienzo y así expandir la energía fuera del cuadro.

 

Magical Girl, Pummelpanda, 2018

Magical Girl, @Pummelpanda, 2018

El mahō shōjo  o «chica mágica» es un subgénero del anime y manga de fantasía que tiene como tema principal a niñas o adolescentes poseedoras de algún objeto mágico o poder especial.

 

Arte en pocas palabras para chicos: Fortnite & Llama

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La llama es familiar de los camellos (camélidos) quienes en los andes prehispánicos (incas) fueron importantes para economía (tanto la llama y la alpaca fueron domesticadas)

Llama: su lana era hilada para transformarla en ropa. Su carne era consumida tanto fresca como secada al sol y deshidratada (charqui); esto último permitía su conservación y almacenamiento en los depósitos. Los cueros eran utilizados para preparar cuerdas, sandalias y otros objetos, mientras que su excremento seco era un excelente combustible, particularmente en las alturas donde no había árboles para conseguir leña.

Animal de carga hasta 40 kilos de peso y desplazarse fácilmente por las alturas más empinadas.

 

“Las llamas” de José Arnaldo Sabogal Diéguez (Cajabamba, Perú, 19 de marzo de 1888Lima 15 de diciembre de 1956) fue un pintor, profesor y ensayista peruano. Fue uno de los primeros promotores y uno de los líderes del movimiento indigenista peruano “Indigenismo” que surgió en la década de 1930. Este artista se dedicó a promover la cultura y estéticas precolombinas integrando su iconografía en la representación modernista, con líneas firmes y trazos muy expresivos.

 

“Llamas en salar” acuarela sobre papel del artista chileno Rodrigo Gonzalez Velazquez (Chile 1971) paisaje de llamas en el altiplano chileno. Rodrigo es un artista autodidacta que se deja llevar por la pintura y las imágenes que lo rodean, faunas, marinas y paisajes desérticos del norte de Chile, que es una terapia donde el puede llegara a plasmar sus ideas. Sus obras están en varios países del mundo como así también son parte de cuentos ilustrados “Achachi de Navidiña”, “Arte de Amar” y “Iquique en 100 palabras”. El forma parte de la corporación de acuarelistas chilenos.

 

“Las Llamas” de Nélida Didolich, están inspiradas en los animales que viven en la provincia de Salta, en el norte Argentino. Ella es una artista plástica que nació en Chubut, es Profesora de Dibujo y pintura y actualmente vive en La Lucila en la provincia de Buenos Aires.

“Quiero captar un instante”, nos dice Nélida en una entrevista por la radio. La pintura de Nélida nace de un diálogo previo con la naturaleza, que la rodea. Ella explica que antes de cada obra investiga el paisaje, donde quiere mostrar los maravilloso de la fauna y flora de cada lugar.  Luego entabla una relación comunicacional con el cuadro, que nace antes de plasmarlo en el lienzo, colocándole un color y un nombre antes de comenzar a pintar.

Escritos sobre arte: Bienal Sur 1er Encuentro virtual, Pensar futuros posibles

bienal sur

Bienal Sur

Primer encuentro: Pensar futuros posibles (reflexiones)

5 de mayo del 2020 (www.bienalsur.org)

 

La vida hacia el arte: Humanismo contemporáneo (Reinventarnos)

 

A causa del coronavirus tuvieron que cancelarse eventos, muestras, e incluso reprogramarse visitas a las exposiciones, lo que me llevó a mirar a mi alrededor. Con una exhibición, bajo mi curaduría,  puesta a punto en el consulado argentino de Frankfurt “Borges: la ciudad y el arte” que por suerte pudo ser inaugurada pero no pudo ser visitada físicamente, me puse a pensar que el siguiente paso sería “tomar el timón y volantear para otro lado”. Pensé: esta exposición la tiene que ver el público que no pudo asistir y así, virtualmente comencé un nuevo trabajo desde mi computadora.

Mi primera sensación fue que esta situación nos ha tocado a todos.

Rastreando en internet me llegó la noticia que, desde Argentina, el 5 de mayo, se celebraría un encuentro virtual entre artistas visuales, historiadores del arte, directores de museos y de bienales, todos juntos en la plataforma de la Bienal Sur y de la Universidad Tres de Febrero de Buenos Aires.

A continuación, les dejo algunos puntos señalados en este encuentro por excelentes profesionales del arte de Latinoamérica y de España que se han parado a pensar un poco más en nuestro hoy, y hacia dónde queremos ir.

 

Maria Wills (directora de la Unidad de Artes del Banco de la República de Colombia) señaló que desde lo museístico se deben crear normativas nuevas, más estrictas para poder volver a elevar la confianza entre el público, el artista y la institución. Pero estas normas deben estar dentro de lo humano de nuestra sociedad.

Betsabeé Romero (artista mejicana) afirmó que “siento que en esta crisis la muerte es como algo pasajero, en este momento no tenemos las despedidas de nuestros muertos como antes. Luego de esta pandemia estaremos cambiados, donde será difícil reinventar tanto el espacio público como un espacio con el otro. Pero tenemos la esperanza de volver a encontrarnos.”

Volupsa Jarpa (artista chilena) dijo que “este encierro provisorio nos dio la posibilidad de tener una instancia reflexiva como nunca antes la tuvimos. Lo interesante es que el mundo se ha paralizado, que el mismo ha tomado la decisión de parar y esto nos ha transformado, como lo hizo el sistema educativo, esta experiencia será positiva y nos cambiará.”

Eduardo Basualdo (artista argentino) indicó, durante el encuentro, que este es un momento donde todo ha colapsado. Es un impacto tan fuerte, nacional como internacionalmente, pero sobre todo afectó a las grandes ciudades. Los pequeños lugares no han cambiado su rutina. Eduardo piensa que el efecto futuro más notorio es la desconcentración de la gente de las grandes ciudades y se acercarán más a lo local, ya desde los recursos y los movimientos de personas. Este es el momento de comenzar a ordenar nuestros recursos y a controlar el uso de la energía y del tiempo.

 

Desde mi punto de vista, esta relación que proviene del orden renacentista donde existe un centro y una periferia, que rige el mundo también actualmente, cambiará. Hemos pasado de mirar hacia los altares de Cristo como centro del universo a mirar al gobernador y su ombligo. La plaza pasó de ser el centro desde donde organizar el estado y marcar las líneas de poder y de fronteras, y ahora ya se puede sentir que existe una parte de la sociedad que se revela a este sistema de centro-periferia.

 

¿Qué papel tiene el arte ahora?

Eduardo se pregunta ¿Qué pasaré con el arte? El arte siempre estuvo sostenido principalmente por un vínculo social, esto fracasará y las instituciones tendrán su impacto en esto.

Diana Wechsler (directora artística-académica de la Bienal Sur) afirmó que “las exposiciones que programamos con tanta anticipación no llegaron a inaugurarse, tuvimos que dar un giro de 180 grados para poder seguir. Entonces ahora debemos definir lo que es NECESARIO. Claro que las tecnologías son necesarias, pero lo local también es prioritario, cuidar de la vida y de nuestro ámbito. El nuevo rol del arte es el de dar señales y contribuir a sostener. En este tiempo contribuyó a cuidarnos la salud mental, porque nadie esperaba esto. El arte fue el que nos sostuvo todo este tiempo de encierro: música, literatura, películas, etc.”

Ticio Escobar (ex -ministro de cultura del Paraguay) también dio su opinión al respecto: “este colapso mundial tanto de las instituciones artísticas como de las bienales, las ferias, las exposiciones en los lugares tradicionales nos lleva a poner en primer lugar la IMAGINACIÓN, y atravesar fronteras. Crear espacios alternativos para llegar al público, desde la creación individual como una resistencia desde el adentro. El arte ha banalizado los lugares tradicionales de exposición de los objetos del arte. Pero el arte ahora tiene la tarea de albergar no solo significaciones más complejas sino preguntas esenciales. El arte debe tomar una posición crítica no contestataria. Debe tomar distancia de temas y reflexionar e interrogarse. El arte es un espacio para tomar posiciones, para ser de una forma motivadora”

 

Estoy de acuerdo con cada uno de los ponentes y añadiría que el arte tiene mucho de marginal, de estar al margen y poder pensar, moverse y transformarse mucho más rápido que cualquier orden o reglamento. Estas fronteras físicas, que siempre construyó el individuo para cuidarse de lo extraño y que los gobiernos marcaban, llevan a pensar en que muchos individuos se animarán e intentarán romperlas.

 

¿Como será la experiencia estética?

 

Volupsa Jarpa cuestiona que antes de la pandemia ya estaba el problema de la desaparición del cuerpo en las relaciones sociales por causa de lo virtual y la pérdida de los encuentros físicos.  Ella considera que este encierro trajo que nos nutriéramos más, que leamos más, escuchemos más, y que descifremos más. Los contactos sociales virtuales también suman, y construyen nuevos espacios, donde compartir emociones, creaciones, ideas, y elaborar algo en común y construir a partir de una conexión. Con respecto al objeto del arte, ella considera que este objeto está sobrevalorado por todo el sistema. Ahora lo más importante son las formas de relación.

Maria Wills apunta que se necesita una democratización de la igualdad, que es necesaria. Hay una crisis de las estructuras de poder y de privilegios dentro del circuito del arte. Ella señala que se puede aprender mucho de los espacios autogestionados.

Betsabeé Romero señala que luego de este encierro las normas deben cambiar, no solo en la economía, sino también en los sistemas de salud. La salud deberá ser un derecho humano. Ella como artista sensible evidencia que la pérdida de personas y sus respectivos duelos se han superado gracias a la interacción con el arte. En esto también debe cambiar el sistema humano y sus prioridades, el arte deberá tener un lugar privilegiado y por eso deberá encontrar un nuevo espacio para ejercer su práctica.

Manolo Borja (director del Museo Reina Sofía, Madrid, España) considera que la experiencia estética personal con el objeto es necesaria. Que los espacios deberán reinventarse. Es un tiempo de compartir y de ser críticos frente tanto al arte banal y frente al arte literal. Manolo subraya que debemos cuestionar las disciplinas, lo nuevo es la interdisciplina. Otro de los temas que lo inquietan es el peligro del resurgimiento de los ultranacionalismos y neofascismos.

 

Creo que si nos comprometemos con el otro podremos encontrar ese lugar tanto de forma individual como colectivamente. Para mí, este es un tiempo de Fe. Antes la Fe estaba puesta en Dios, luego estuvo en la razón y ahora ¿adónde va esta Fe?

Cada uno la tiene ubicada en diferentes lugares, como por ejemplo los desfavorecidos que apoyan su Fe en no ser excluidos, los desempleados en volver a tener su trabajo, las minorías en el final del racismo o del fascismo, los ecologistas la tendrán en conseguir parar el calentamiento global o que la gente tome conciencia del cuidado del ambiente y los resistentes tendrán fe en que se respete su derecho a manifestarse y oponerse, hablar libremente. Por mi parte, yo pongo mi fe en mí misma, para cambiar y colocar prioridades humanas en mi camino, y en los otros para formar una gran comunidad.

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¿Cambios deseables, pensado colectivamente?

 

Manolo afirmó que “nada será como antes, los más desfavorables son los que están más desprotegidos, como son los ancianos, por ejemplo, vivimos en una sociedad injusta y sin equidades. Luego de pasar esta crisis este sector de la sociedad seguirá donde está. Lo que paró fue solo lo económico y lo político, pero no fue la desigualdad. Deberemos aprender nuevos lenguajes y formatos de comunicación, y crear un nuevo glosario. El arte debe encontrar nuevos lugares: Habitar las exposiciones”

María cree que en un futuro cercano el museo deberá apoyar la nueva cultura ciudadana. Las normas que rijan deberán ser amables. El museo será un puente entre las necesidades y que no solo albergue exposiciones como vitrinas, sino que estas exposiciones se sientan como una experiencia de vida.

Ticio piensa que debemos REIMAGINARNOS un nuevo modelo. El arte tiene una enorme posibilidad de nutrirse de las crisis o tragedias junto con dos dispositivos como son la IMAGINACIÓN y la creación. Con audacia estos dispositivos nos indican los caminos a seguir y nos señalan las salidas.

Volupsa apuntó que los cambios deseables se producirán al proceso de producción artístico. Tanto las situaciones de crisis como de resistencia son muy atractivas para mover la creatividad en el arte. “El proceso creativo funciona inconscientemente y lo mira desde el confinamiento, pensando cómo llegar al otro. La relación con el público, que está encerrado, es una preocupación del artista. No la relación con el otro como institución, que es el mediador entre el artista y el público. Esta preocupación los lleva a ir a buscar al otro”

Eduardo coincidió con Voluspa en que debemos volver a las raíces, y tener la preocupación y motivación de ir en busca del otro, del público que disfrute de la obra, como a los comienzos de la carrera artística: “Actuar por el instinto”.

Betsabeé piensa que es necesario buscar al otro desde la propia producción artística. Para poder estar cerca y crear una relación social que es tan importante como comunidad física, no solo virtual.

Volupsa mencionó que la democratización a partir de internet es relativa. Que existe una crisis no solo del espacio del arte sino del espacio público político. Las relaciones humanas se reelaboran, también la lucha democrática en el espacio público está en juego, y nacen las preguntas desde esta experiencia impensada.

María, por su parte, apuntó que debemos observar los medios análogos (como la radio), no solo los digitales, allí puede estar la clave de los nuevos manuales.

Betsabeé nos marca que debemos buscar y ganar esos nuevos territorios, lugares tanto en el pasado como en el presente.

Eduardo dijo que “el cuerpo es insustituible, es una parte importante de las luchas sociales, para conseguir transformaciones. Esta situación nos cambia y ahora pensaremos nuevas maneras de salir, de encontrarnos, de luchar y de resistir”.

 

Luego de presenciar “virtualmente” esta charla, la cual sentí muy próxima, me puse a pensar en mi alrededor.  Pensé en salir adelante, y que ya es hora de inventar mi propio mundo, ¡de ser curiosa y a la vez intrépida! Total, ¿qué puede pasar?

La historia del mundo es impensada, inesperada, espontánea y allí es donde debemos crear cosas, lugares y nuestros propios espacios. Un espacio virtual que será la herramienta que posibilitará un intercambio de ideas con otras personas, de construir juntos y de estar cerca del otro, a pesar de las distancias. También es hora de abrir nuevos caminos y de acompañar a otros en sus propios caminos.

 

¡Nada nos detendrá, es una nueva revolución!

 

Proyecto FORTNITE: Caballeros (Arte en pocas palabras)

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Albrecht Dürer

“El caballero la muerte y el diablo” 1513

Esta obra es un grabado del pintor alemán Alberto Durero, mediante la técnica buri, herramienta manual de corte o marcado de acero, con un mango. Esta obra es un horror vacui ( La expresión latina horror vacui (literalmente ‘miedo al vacío’) se emplea en la historia del arte, especialmente en crítica de la pintura, para describir el relleno de todo espacio vacío en una obra de arte con algún tipo de diseño o imagen).

Esta obra representa lo moral: el caballero sería la vida activa, el luchador, también vemos el perro que significa la lealtad, también se encuentra un lagarto. La muerte está representada por una forma barbuda sobre un caballo viejo junto a un reloj de arena, símbolo de lo transitorio. EL diablo se encuentra detrás del caballero. También están las iniciales del autor (AD) y una calavera, símbolo de la muerte. Todo el fondo, el paisaje montanoso parecería ser Nuremberg.

durero el caballero la muerte y el diablo 1513

Vittore Carpaccio

“Caballero joven con un paisaje” 1510

Vittore Carpaccio (Venecia, circa 1465 - 1525/1526)Primer retrato de cuerpo entero. Es un joven que tiene escrito en su mano derecha “Mejor la muerte que el deshonor”. Carpaccio pintaba mas con un enfoque medieval pero en Venecia apareció Tiziano y comienza a pintar el mundo caballeresco. El fondo del cuadro muestra un gran conocimiento de la flora y fauna, pero también alusivos al bien y al mal.  También podemos ver el perro símbolo de la fidelidad, conejo y un armino, pureza y astucia. En el cielo hay gorriones y palomas, signos de fe; una garza, elegancia y un ciervo, poder.

Los colores también nos transmiten algo; amarillo del Papa y la pica que lleva es de la escuela de Flandes y la iluminación es influencia de la escuela veneciana.

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Rafael Sanzio

“San Jorge” 1506

Raffaello Sanzio, nació en Urbino, Italia en 1483 y murió en Roma en 1520. Este es un cuadro de tamaño muy pequeño, con unas dimensiones de 28.5 centímetros de alto y 21.5 cm de ancho. Se conserva en la Galería Nacional de Arte de Washington D. C.Estados Unidos. Durante el siglo XIV en Europa dominó la cultura de los caballeros cristianos, nobles y de la monarquía, y el favorito era San Jorge, donde el joven es bello pero desapasionado. La princesa lo mira pidiendo la bendición de Dios.

Gustav Klimt

“El Caballero Dorado”, 1902

Gustav Klimt (Baumgarten, 1862 -Alsergrund,   1918) ​fue un pintor simbolista austríaco, y representante del movimiento modernista de la secesión vienesa , quienes trataban de reinterpretar los estilos del pasado ante los embates de la producción industrial. El Friso de Beethoven es un mural que se pintó directamente sobre las paredes con materiales ligeros. Tras la exposición la pintura se conservó, pero no volvió a exhibirse sino hasta 1986. Klimt lo pintó para 14ª Exposición de la Secesión vienesa y con el fin de homenajear al músico y compositor Beethoven. El Friso está compuesto por tres partes; “El anhelo de felicidad”, “Las fuerzas enemigas” y el “Himno a la alegría”. En la primera parte de la izquierda se puede ver una niña de pie y una pareja arrodillada con las manos extendidas y suplicantes representan los sufrimientos de la humanidad. La humanidad sufriente implora al caballero dorado que emprenda por ellos la lucha por la felicidad. El caballero es apoyado por dos figuras femeninas, la ambición (corona) y la compasión, dedos entrelazados, lo que mueve a conseguir la felicidad.

Arte en pocas palabras para chicos: Las calaveras

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Arte en pocas palabras

Esqueletos / Calaveras

“Por el amor de Dios” es el nombre de la pieza de arte más cara de la historia del arte, una calavera de diamantes que costó realizarla unos 14 millones (2007). Obra del artista inglés Damien Hirst (1964) que se caracteriza por crear obras que escandalizan y provocan. Esta pieza fue inspirada en las calaveras aztecas decoradas. “”la victoria definitiva sobre la muerte”, la obra actualmente se ha vendido a 55 millones de dólares.

«Danza de la Muerte», de Michael Wolgemut, este artista alemán nacido en Nürenberg 1434 – 1519, realizó este grabado con influencia del gótico. El tema de la muerte era muy tomado en la época medieval, por causa de las reiteradas catástrofes que sufría el hombre (hambrunas, epidemias, sequías, etc) y recordaba que a todos nos va a tocar la muerte, que no importa que estatus hayas tenido en la vida.

“La Catrina” es un grabado de 1873 realizado por el artista mejicano José Guadalupe Posada Aguilar (1852-1913) que originalmente se llamaba Calavera garbancera. Eran las personas indígenas que vendían garbanzos que se vestías con ropas europeas, renegando de su origen y cultura. Posada creiticaba al gobierno en revistas con estas calaveras, que se publicaran el Día de los muertos y se burlaban de los vivos y los muertos.

Arte en pocas palabras para chicos: Las calabazas en el arte

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David Shrigley nació en 1968 en Macclesfield, Gran Bretaña que Vive y trabaja en Glasgow. El trabajo de Shrigley incluye esculturas, pinturas, animaciones, textos y fotografías, (Art Brut: formas simples, cómico, repetidos errores y tachaduras, sus trabajos parecen inacabados o no resueltos profesionalmente)

Claudio Bravo Camus  artista hiperrealsista o superrealista chileno, que murió en Marruecos en 2011. Su arte esta lleno de detalles, con un ojo realmente objetivo de la realidad, para poder estar cerca de la presición.

Yayoi Kusama nació en 1929 en Japón, ella realiza muchos trabajos mutidisciplinares, entre ellos pintura, collage, escultura, arte performance e instalaciones siempre utilizando los colores vibrantes, las formas orgánicas como las verduras o frutas, los puntos y  los lunares. Toda su obra nos habla del arte pop. Ella claramente toma figuras del mundo de la comunicación de masas.

 

Arte en pocas palabras para chicos: Las sombrillas en el arte

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  • Chica con sombrilla, grafiti stencil, está ubicada en la esquina de N. Rampart y Kerelec de New Orleans en 2008, realizada por el artista urbano británico Banksy (1974) es el seudónimo de un artista de arte conocido por su misteriosa identidad. Estuvo en el documental llamado “Salida por la tienda de regalos” pero se desconocen otros detalles de su biografía.
  • Mujer con sombrilla (Paseo, la promenade, óleo sobre tela, 1845, 100×81 cm) de Claude Monet (1840-1926), pintor francés unos de los creadores del impresionismo. Esta decisión de salirse de las construcciones tradicionales, no pudo vender y su situación económica. intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba.
  • Promenade an der Seine (Paseo por el Sena, 1916), realizada por la pintora alemana Gabriele Münter, perteneciente al movimiento der Blaue Reiter, y luego de la Neue Künstlervereinigung München (Nueva unión de artistas de Múnich) iniciada por Kandinsky. Münter nació en Berlin en 1877 y murió en Murnau am Staffelsee, en 1962). Münter comenzó a desarrollar un estilo abstracto propio, con brillantes colores sin mezclar, formas fuertes, todo delineado por oscuras líneas de separación.
  • Mi mamá y yo ( 1968, metal) escultura realizada por Marisol, conocida por María Sol Escobar, (Paris 1930-Nueva York, Estados Unidos, 2016), fue una escultora venezolana nacida en Francia. Se destacan sus obras de arte pop. Su diversidad, su ojo único y su carácter la distinguen de todas las escuelas de pensamiento. A menudo ha incluido rostros de personajes públicos, miembros de su familia y amigos en sus esculturas.

Arte en pocas palabras para chicos: Caballos en el arte

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Arte para chicos

Proyecto: Tres caballos en la historia del arte

 

Blaues Pferd I (caballo azul I) es el título de una de las pinturas más famosas del pintor alemán Franz Marc (1880-1916)y forma parte de la colección de la Städtische Galerie im Lenbachhaus de Múnich. La imagen fue parte de varias exposiciones que Wassily Kandinsky y Franz Marc presentaron al público bajo el nombre de Der Blaue Reiter (1911-1914.)

 

Azul: masculino, amargo y espiritual.

Amarillo: femenino, gentil, alegre y sensual.

Rojo: lo material, brutal y pesado, y siempre el color que los otros dos deben combatir y vencer.

Azul + Rojo (intelectual serio con rojo, luego aumenta el dolor del azul a insoportable)

Amarillo + violeta, se vuelve indispensable

Rojo + Amarillo + Naranja le das al amarillo pasivo y al femenino una fuerza mega-sensual, de modo que el azul frío y espiritual vuelve a ser indispensable.
El hombre y el azul se colocan junto al naranja.

Azul + Amarillo + Verde, necesitas del rojo: la tierra, la vida

 

 

El baño del caballo (caballo blanco) 1909, óleo sobre lienzo (205x250cm) Museo Sorolla de Madrid realizado por el maravilloso pintor español Joaquin Sorrolla y Bastida (Valencia 1863 – Cerdilla 1923). EL pintor siempre tiene en mente observar la luz sobre la arena de la playa, la ondulante línea del agua, la luz sobre el agua de una manera ágil y suelta.

 

Jaques – Louis David ( (Paris 1748-Bruselas 1825)

Napoleón cruzando los Alpes  (1801, óleo de 275×232 cm) Este retrato de Napoléon Bonaparte tiene 5 versiones del mismo realizados por el pintor francés neoclasicista David entre 1801 y 1805. Cruce que se realizó en 1800, inspirado en las construcciones y modelo griego. El pintor intentó que Napoleón posara para realizar este retrato, pero no quiso porque creía que la pintura debía ser una representación de su carácter, más que de su apariencia física. David trabajó usando dos o tres capas. Luego dibujó el contorno con color ocre y con ligeros toques pintó la superficie, luego concentrándose en los bloques de luz y sombra, para último dejó los detalles.

 

Arte en pocas palabras para chicos: Los gatos en el arte

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El gato (1747, tinta china) Shen Quan

Shen Quan nació en China en 1682 y murió en 1762 pinto hermosas escenas de animales y flores con mucho detalle, aplicando pinceladas delicadas y firmes. Durante su estancia en Nagasaki enseñó a sus alumnos la representación realista de flores y pájaros principalemente.

 

Gato (Dibujo) de Pablo Picasso

Pablo Ruiz Picassonació en Málaga, España en 1881 y murió en Mougins en 1973. Minou fue un gato callejero francés que Picasso adoptó durante el peor período de su vida, el ‘azul’ (1901-1904). Entonces el pintor apenas vivía de sus obras y, deprimido, tuvo que devolverlo a la calle porque no podía darle de comer. Ese gato cambiaría la vida del pintor. El fue un pintor, escultor, grabador, dibujante, ceramista, vestuarista, creador considerado unos de los genios del arte del siglo XXI. Picasso a participando en los inicios de muchos movimientos artísticos.

 

Katze und Vogel (Gato y pájaro) Óleo  (1928, 38×53)

Paul Klee nació en 1879 en Munich, pintor y grafista aleman que estuvo en contacto con los miembros del Der Blaue Reiter. Paul Klee  amaba los gatos, el decía que ellos tenian ojos como flores armadas. Tambén se distingue un Pajarito en la frente del gato, interpretado como si estauviera sonando con la presa. Pero el nos recuerda a Picasso en el amor por los animales.