Arte en pocas palabras para chicos: Fortnite & Geisha (Japonesa)

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Fortnite y sus personajes: Geisha (Japonesa)

 

El juego de Fortnite contiene muchos personajes quienes también fueron inspiración de los artistas geniales de la historia. En esta ocación les presentaré la inspiración japonesa en diferentes artistas durante la historia del arte.

En Francia en el siglo XIX se despierta una nueva idea: la importancia de la la razón, la que influye en cada decisión. A fines de este siglo se percibe una gran influencia de un arte oriental: el japonismo. En la exposición universal realizada en Paris en 1867 se pudieron contemplar objetos, estampas y cerámicas del Japón, las que causaron impresión en el público y también en los artistas, quienes buscaban nuevas inspiraciones para sus pinturas.

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También los artistas impresionistas comenzaron a tomar a la naturaleza y a lo cotidiano como tema principal en sus sobras. La facilidad de obtener pinturas de tubos, se pudo salir al aire libre a pintar y poder experimentar con nuevas composiciones y perspectivas.

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Claude Monet “Madame Monet en Kimono” 1875

Este maravilloso artista francés comenzó a experimentar en sus pinturas la mezcla de colores directamente en el lienzo, como así experimentó una nueva libertad en cuanto a la temática de sus obras como su perspectivas. Estas obras son más planas, carentes de lo perfecto, con una belleza que emana del interior.

 

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Vicent Van Gogh “La cortesana, después de Kesai Eisen” (Japonaiserie) 1887 © Van Gogh Museum, Amsterdam (Vincent van Gogh Foundation).

Van Gogh es un pintor postimpresionista, fascinado por los paisajes japoneses. En cada pintura imprime la luz, producida por colocar capa de material sobre otra capa de pintura en el lienzo y así expandir la energía fuera del cuadro.

 

Magical Girl, Pummelpanda, 2018

Magical Girl, @Pummelpanda, 2018

El mahō shōjo  o «chica mágica» es un subgénero del anime y manga de fantasía que tiene como tema principal a niñas o adolescentes poseedoras de algún objeto mágico o poder especial.

 

Arte en pocas palabras para chicos: Fortnite & Llama

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La llama es familiar de los camellos (camélidos) quienes en los andes prehispánicos (incas) fueron importantes para economía (tanto la llama y la alpaca fueron domesticadas)

Llama: su lana era hilada para transformarla en ropa. Su carne era consumida tanto fresca como secada al sol y deshidratada (charqui); esto último permitía su conservación y almacenamiento en los depósitos. Los cueros eran utilizados para preparar cuerdas, sandalias y otros objetos, mientras que su excremento seco era un excelente combustible, particularmente en las alturas donde no había árboles para conseguir leña.

Animal de carga hasta 40 kilos de peso y desplazarse fácilmente por las alturas más empinadas.

 

“Las llamas” de José Arnaldo Sabogal Diéguez (Cajabamba, Perú, 19 de marzo de 1888Lima 15 de diciembre de 1956) fue un pintor, profesor y ensayista peruano. Fue uno de los primeros promotores y uno de los líderes del movimiento indigenista peruano “Indigenismo” que surgió en la década de 1930. Este artista se dedicó a promover la cultura y estéticas precolombinas integrando su iconografía en la representación modernista, con líneas firmes y trazos muy expresivos.

 

“Llamas en salar” acuarela sobre papel del artista chileno Rodrigo Gonzalez Velazquez (Chile 1971) paisaje de llamas en el altiplano chileno. Rodrigo es un artista autodidacta que se deja llevar por la pintura y las imágenes que lo rodean, faunas, marinas y paisajes desérticos del norte de Chile, que es una terapia donde el puede llegara a plasmar sus ideas. Sus obras están en varios países del mundo como así también son parte de cuentos ilustrados “Achachi de Navidiña”, “Arte de Amar” y “Iquique en 100 palabras”. El forma parte de la corporación de acuarelistas chilenos.

 

“Las Llamas” de Nélida Didolich, están inspiradas en los animales que viven en la provincia de Salta, en el norte Argentino. Ella es una artista plástica que nació en Chubut, es Profesora de Dibujo y pintura y actualmente vive en La Lucila en la provincia de Buenos Aires.

“Quiero captar un instante”, nos dice Nélida en una entrevista por la radio. La pintura de Nélida nace de un diálogo previo con la naturaleza, que la rodea. Ella explica que antes de cada obra investiga el paisaje, donde quiere mostrar los maravilloso de la fauna y flora de cada lugar.  Luego entabla una relación comunicacional con el cuadro, que nace antes de plasmarlo en el lienzo, colocándole un color y un nombre antes de comenzar a pintar.

Proyecto FORTNITE: Caballeros (Arte en pocas palabras)

caballeros

Albrecht Dürer

“El caballero la muerte y el diablo” 1513

Esta obra es un grabado del pintor alemán Alberto Durero, mediante la técnica buri, herramienta manual de corte o marcado de acero, con un mango. Esta obra es un horror vacui ( La expresión latina horror vacui (literalmente ‘miedo al vacío’) se emplea en la historia del arte, especialmente en crítica de la pintura, para describir el relleno de todo espacio vacío en una obra de arte con algún tipo de diseño o imagen).

Esta obra representa lo moral: el caballero sería la vida activa, el luchador, también vemos el perro que significa la lealtad, también se encuentra un lagarto. La muerte está representada por una forma barbuda sobre un caballo viejo junto a un reloj de arena, símbolo de lo transitorio. EL diablo se encuentra detrás del caballero. También están las iniciales del autor (AD) y una calavera, símbolo de la muerte. Todo el fondo, el paisaje montanoso parecería ser Nuremberg.

durero el caballero la muerte y el diablo 1513

Vittore Carpaccio

“Caballero joven con un paisaje” 1510

Vittore Carpaccio (Venecia, circa 1465 - 1525/1526)Primer retrato de cuerpo entero. Es un joven que tiene escrito en su mano derecha “Mejor la muerte que el deshonor”. Carpaccio pintaba mas con un enfoque medieval pero en Venecia apareció Tiziano y comienza a pintar el mundo caballeresco. El fondo del cuadro muestra un gran conocimiento de la flora y fauna, pero también alusivos al bien y al mal.  También podemos ver el perro símbolo de la fidelidad, conejo y un armino, pureza y astucia. En el cielo hay gorriones y palomas, signos de fe; una garza, elegancia y un ciervo, poder.

Los colores también nos transmiten algo; amarillo del Papa y la pica que lleva es de la escuela de Flandes y la iluminación es influencia de la escuela veneciana.

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Rafael Sanzio

“San Jorge” 1506

Raffaello Sanzio, nació en Urbino, Italia en 1483 y murió en Roma en 1520. Este es un cuadro de tamaño muy pequeño, con unas dimensiones de 28.5 centímetros de alto y 21.5 cm de ancho. Se conserva en la Galería Nacional de Arte de Washington D. C.Estados Unidos. Durante el siglo XIV en Europa dominó la cultura de los caballeros cristianos, nobles y de la monarquía, y el favorito era San Jorge, donde el joven es bello pero desapasionado. La princesa lo mira pidiendo la bendición de Dios.

Gustav Klimt

“El Caballero Dorado”, 1902

Gustav Klimt (Baumgarten, 1862 -Alsergrund,   1918) ​fue un pintor simbolista austríaco, y representante del movimiento modernista de la secesión vienesa , quienes trataban de reinterpretar los estilos del pasado ante los embates de la producción industrial. El Friso de Beethoven es un mural que se pintó directamente sobre las paredes con materiales ligeros. Tras la exposición la pintura se conservó, pero no volvió a exhibirse sino hasta 1986. Klimt lo pintó para 14ª Exposición de la Secesión vienesa y con el fin de homenajear al músico y compositor Beethoven. El Friso está compuesto por tres partes; “El anhelo de felicidad”, “Las fuerzas enemigas” y el “Himno a la alegría”. En la primera parte de la izquierda se puede ver una niña de pie y una pareja arrodillada con las manos extendidas y suplicantes representan los sufrimientos de la humanidad. La humanidad sufriente implora al caballero dorado que emprenda por ellos la lucha por la felicidad. El caballero es apoyado por dos figuras femeninas, la ambición (corona) y la compasión, dedos entrelazados, lo que mueve a conseguir la felicidad.

Arte en pocas palabras para chicos: Las calabazas en el arte

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David Shrigley nació en 1968 en Macclesfield, Gran Bretaña que Vive y trabaja en Glasgow. El trabajo de Shrigley incluye esculturas, pinturas, animaciones, textos y fotografías, (Art Brut: formas simples, cómico, repetidos errores y tachaduras, sus trabajos parecen inacabados o no resueltos profesionalmente)

Claudio Bravo Camus  artista hiperrealsista o superrealista chileno, que murió en Marruecos en 2011. Su arte esta lleno de detalles, con un ojo realmente objetivo de la realidad, para poder estar cerca de la presición.

Yayoi Kusama nació en 1929 en Japón, ella realiza muchos trabajos mutidisciplinares, entre ellos pintura, collage, escultura, arte performance e instalaciones siempre utilizando los colores vibrantes, las formas orgánicas como las verduras o frutas, los puntos y  los lunares. Toda su obra nos habla del arte pop. Ella claramente toma figuras del mundo de la comunicación de masas.

 

Arte en pocas palabras para chicos: Las sombrillas en el arte

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  • Chica con sombrilla, grafiti stencil, está ubicada en la esquina de N. Rampart y Kerelec de New Orleans en 2008, realizada por el artista urbano británico Banksy (1974) es el seudónimo de un artista de arte conocido por su misteriosa identidad. Estuvo en el documental llamado “Salida por la tienda de regalos” pero se desconocen otros detalles de su biografía.
  • Mujer con sombrilla (Paseo, la promenade, óleo sobre tela, 1845, 100×81 cm) de Claude Monet (1840-1926), pintor francés unos de los creadores del impresionismo. Esta decisión de salirse de las construcciones tradicionales, no pudo vender y su situación económica. intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba.
  • Promenade an der Seine (Paseo por el Sena, 1916), realizada por la pintora alemana Gabriele Münter, perteneciente al movimiento der Blaue Reiter, y luego de la Neue Künstlervereinigung München (Nueva unión de artistas de Múnich) iniciada por Kandinsky. Münter nació en Berlin en 1877 y murió en Murnau am Staffelsee, en 1962). Münter comenzó a desarrollar un estilo abstracto propio, con brillantes colores sin mezclar, formas fuertes, todo delineado por oscuras líneas de separación.
  • Mi mamá y yo ( 1968, metal) escultura realizada por Marisol, conocida por María Sol Escobar, (Paris 1930-Nueva York, Estados Unidos, 2016), fue una escultora venezolana nacida en Francia. Se destacan sus obras de arte pop. Su diversidad, su ojo único y su carácter la distinguen de todas las escuelas de pensamiento. A menudo ha incluido rostros de personajes públicos, miembros de su familia y amigos en sus esculturas.

Arte en pocas palabras para chicos: Caballos en el arte

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Arte para chicos

Proyecto: Tres caballos en la historia del arte

 

Blaues Pferd I (caballo azul I) es el título de una de las pinturas más famosas del pintor alemán Franz Marc (1880-1916)y forma parte de la colección de la Städtische Galerie im Lenbachhaus de Múnich. La imagen fue parte de varias exposiciones que Wassily Kandinsky y Franz Marc presentaron al público bajo el nombre de Der Blaue Reiter (1911-1914.)

 

Azul: masculino, amargo y espiritual.

Amarillo: femenino, gentil, alegre y sensual.

Rojo: lo material, brutal y pesado, y siempre el color que los otros dos deben combatir y vencer.

Azul + Rojo (intelectual serio con rojo, luego aumenta el dolor del azul a insoportable)

Amarillo + violeta, se vuelve indispensable

Rojo + Amarillo + Naranja le das al amarillo pasivo y al femenino una fuerza mega-sensual, de modo que el azul frío y espiritual vuelve a ser indispensable.
El hombre y el azul se colocan junto al naranja.

Azul + Amarillo + Verde, necesitas del rojo: la tierra, la vida

 

 

El baño del caballo (caballo blanco) 1909, óleo sobre lienzo (205x250cm) Museo Sorolla de Madrid realizado por el maravilloso pintor español Joaquin Sorrolla y Bastida (Valencia 1863 – Cerdilla 1923). EL pintor siempre tiene en mente observar la luz sobre la arena de la playa, la ondulante línea del agua, la luz sobre el agua de una manera ágil y suelta.

 

Jaques – Louis David ( (Paris 1748-Bruselas 1825)

Napoleón cruzando los Alpes  (1801, óleo de 275×232 cm) Este retrato de Napoléon Bonaparte tiene 5 versiones del mismo realizados por el pintor francés neoclasicista David entre 1801 y 1805. Cruce que se realizó en 1800, inspirado en las construcciones y modelo griego. El pintor intentó que Napoleón posara para realizar este retrato, pero no quiso porque creía que la pintura debía ser una representación de su carácter, más que de su apariencia física. David trabajó usando dos o tres capas. Luego dibujó el contorno con color ocre y con ligeros toques pintó la superficie, luego concentrándose en los bloques de luz y sombra, para último dejó los detalles.

 

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